Annie Morris transforme le chagrin en sculptures colorées et précaires

Un magasin de crème glacée apparaît au bout de la route qui mène au studio d’Annie Morris au nord de Londres. En été, il attire de longues files de clients, qui émergent tenant des cônes vacillant avec des globes aux couleurs vives. Tôt ou tard, la friandise de quelqu’un bascule et tombe : contenue dans chaque moment d’extase est le potentiel de perte et de désespoir.

Morris capture parfaitement ce sentiment à travers ses dessins, ses œuvres à base de fils et ses sculptures (pour lesquelles elle est surtout connue). Bien que l’artiste britannique s’inspire de ses propres traumatismes, elle évoque des sentiments universels de fragilité et craint que le bonheur ne soit bouleversé. « Je pense que tant d’artistes trouvent à travers la tragédie leur meilleur travail », a déclaré Morris. « J’ai un ami qui dit : ‘Ne sois pas content, tu ne feras jamais rien de bon !' »

L’artiste a marché en cercles continus autour d’une armée de ses sculptures vertigineuses « Stack », qui remplissent son atelier – une ancienne usine de houmous à Stoke Newington. Pour réaliser les sculptures, elle sculpte des sphères brutes en mousse, les superpose avec du sable et du plâtre (et, plus récemment, du bronze), et les peint enfin dans des couleurs lucides. Morris « empile » ensuite de manière transparente les balles à différentes hauteurs et les joint de manière invisible avec de l’acier. Cette étape finale crée l’illusion d’un numéro d’équilibriste, faisant apparaître ses structures monumentales aussi précaires qu’un tas de blocs de construction pour enfants.

Morris venait de rentrer de l’ouverture de sa dernière exposition personnelle au Château La Coste à Aix-en-Provence, France. L’exposition présente de nouvelles sculptures en bronze et en mousse, des dessins à la baguette à l’huile et une nouvelle tapisserie monumentale. Ils sont tous exposés dans et autour du pavillon conçu par Oscar Niemeyer du centre d’art contemporain. Dans l’ensemble, les pièces sensuelles de Morris génèrent des dialogues sur la couleur, la forme, la lumière et l’espace dans le verre propre et incurvé et les lignes droites et concrètes de l’architecture de Niemeyer.

À première vue, les œuvres de Morris dégagent un sentiment d’optimisme provocateur et jubilatoire. Ils vibrent de vie. Pourtant, l’artiste a commencé à créer sa signature « Stacks » il y a près d’une décennie, leurs formes sphériques faisant écho à la forme de la grossesse qu’elle a perdue en 2014. Morris leur applique des pigments bruts, créant des teintes intenses et indéniablement édifiantes. Ses combinaisons de couleurs, dit-elle, dérivent de l’intuition, de l’expérimentation et du jeu.

Au fil des ans, les « Stacks » sont devenus plus animés et réalistes dans leur forme, plus ambitieux dans leur échelle et leur structure : dans les jardins du Château La Coste, Morris a installé en permanence son plus grand bronze à ce jour. Pour cette nouvelle œuvre, elle a souhaité conserver les couleurs vives des pigments bruts qu’elle utilisait avec ses sphères en mousse. Pour atteindre cet objectif, elle a brûlé des sulfates et des nitrates naturels sur ses surfaces en bronze. Sa volumineuse tour de six pieds de haut oscille maintenant avec éclat sur fond de campagne française.

Morris se réfère à ses « Stacks » comme des « personnages ». Elle a noté: « Quand je suis entouré d’eux dans le studio, ils ont définitivement des conversations les uns avec les autres. » Morris a commencé à les présenter par paires pour amplifier leurs joyeuses connexions et échanges. Comme ils semblent danser ivre vers le ciel, ils démontrent leur essence figurative.

Pourtant, la genèse des pièces reste « extrêmement importante » pour l’artiste, car « l’expérience bouleversante l’a définie ». « Alors que je traverse la vie et crée ces sculptures, c’est une façon de se souvenir de cette chose qui a été perdue – c’est très réconfortant d’une certaine manière », a déclaré Morris. « Je pense que continuer à les faire m’intéresse toujours à cause de cela, parce que c’est toujours aussi pertinent pour moi de garder cette partie de moi en vie. »

Après sa première exposition personnelle institutionnelle au Yorkshire Sculpture Park, « When a Happy Thing Falls », et sa participation à Frieze Sculpture l’année dernière, l’exposition de Morris en France est aussi un retour aux sources pour les sculptures « Stack » en particulier. L’artiste formée à l’Ecole des Beaux Arts de Paris pendant cinq ans, jette les bases de sa pratique de la sculpture sous la tutelle du pionnier de l’Arte Povera Giuseppe Penone. « L’école était extraordinaire, il s’agissait surtout d’essayer des choses, de jouer avec des matériaux – c’était vraiment pratique », a déclaré Morris.

À l’époque, Morris réalisait principalement des sculptures surdimensionnées de hiboux. Elle a été fascinée par leur forme et en a fabriqué un en argile rouge avec Penone. Morris jetait également des pigments bruts – des tons sépia rudimentaires faits avec des dizaines de crayons écrasés – sur la toile, qui correspondaient mieux à son budget d’étudiante en art que les nuances luxuriantes et époustouflantes de cobalt et de turquoise qu’elle utilise maintenant régulièrement.

Lorsque l’artiste est revenue au Royaume-Uni pour poursuivre ses études à la Slade, elle a brièvement abandonné ses expériences avec des pigments bruts, ne revenant à la stratégie que lorsqu’elle a commencé à fabriquer les « Stacks ». « Je voulais conserver la fragilité de cette belle texture, cette sécheresse, cette fragilité que vous obtenez de ce pigment brut », a-t-elle déclaré.

La France est également une maison à temps partiel pour Morris; son mari, collègue artiste et collaborateur fréquent Idris Khan (les deux prévoient d’organiser une double exposition l’année prochaine); et leurs deux enfants. Il y a dix ans, le couple a commencé à rénover une ancienne ferme et grange surplombant un vignoble à Bergerac, en Dordogne, avec un studio dans un ancien chai. « Cela fait vraiment partie du paysage là-bas, vous remarquez la façon dont les longues herbes deviennent rouge vif au début du mois d’août », a déclaré Morris. Ses idées de couleurs et leurs combinaisons proviennent souvent de ce cadre rural, ou des environs de Sussex, dans la campagne anglaise, où Morris et sa famille passent de nombreux week-ends. Morris se considère comme faisant partie d’une trajectoire d’artistes – elle mentionne Robert Rauschenberg et Antoni Tàpies – qui distillent la couleur et la composition dans leurs formes les plus simples et les transforment en forces indépendantes et puissamment émotives.

Toujours intéressée à explorer l’espace « quelque part entre la peinture et la sculpture », les œuvres de Morris sont toutes enracinées dans les croquis et dessins préparatoires spontanés et rapides qu’elle réalise avec des matériaux allant du stylo à bille aux crayons de couleur en passant par le bâton d’huile. Chaque journée au studio commence par le dessin. Douze des dessins de Morris sont maintenant exposés au Château La Coste. Leurs lignes fluides et sautillantes évoquent les peintures de Philip Guston ou les dessins de Willem de Kooning.

L’énergie impromptue et fluide de Morris se déverse dans ses sculptures exubérantes et ses tapisseries ludiques ; une pièce centrale de la nouvelle exposition est une grande pièce semi-abstraite brodée à la main intitulée Route Rouge (2022)—sa tapisserie la plus grande et la plus ambitieuse à ce jour. « C’était incroyablement chronophage malgré le fait que ça venait d’un dessin extrêmement rapide et spontané, mais je n’étais même pas sûr de le finir à temps ! dit-elle.

Route Rouge présente des figures féminines surréalistes et sans expression avec des fleurs là où les visages devraient être. La composition est une sorte de double portrait, basé sur l’artiste et sa mère. Les lignes sculpturales du fil lui-même donnent vie à la tapisserie. Il documente un « triste incident impliquant mes parents », a déclaré Morris. Elle voulait transmettre le sentiment que « les fleurs sont si temporaires – leur beauté existe pendant si peu de temps, puis elle se décompose et disparaît. J’aime le fait que dans les dessins, l’émotion au sein de la figure féminine est transmise à travers les pétales fanés.